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Breve historia de la remezcla

Breve historia de la remezcla

 

Hoy en día el término remezcla es sumamente familiar para todo el mundo, gracias a que se ha convertido en una parte importante de la música actual. La La mayoría de la gente, incluso aquellos que no participan activamente en la industria, podrían dar una muy buena definición de lo que es un remix. Su definición, sin embargo, probablemente sería un poco estrecha. Un remix es, en términos generales, simplemente una versión alternativa de una canción. La mayoría de la gente asocia la palabra remezcla con la música de baile, un área en el cual la remezcla ha desarrollado su mayor extensión.

En su forma más básica un remix podría ser simplemente una versión de una canción en la que el equilibrio de los instrumentos es diferente, o tal vez, en la que se han añadido o eliminado instrumentos de la versión original.

Antes de la introducción de la grabación en cinta magnética en la década de 1930, muy poco se podía hacer para editar las grabaciones. Pero tan pronto como la tecnología lo hizo posible, se comenzó a ver el potencial de crear versiones alternativas de canciones cortando y empalmando la grabación. El siguiente paso hacia la remezcla se produjo después del advenimiento de la grabación multipista en la década de 1940. El guitarrista e inventor Les Paul desarrolló la primera grabadora de 8 pistas, con diseñadores de la Ampex Corporation, como un medio para mejorar las grabaciones de un grupo con doblajes adicionales (overdubs). Esta separación de la instrumentación significaba que ahora era totalmente posible cambiar las partes individuales de una grabación final.

Este hecho cambió la industria de la música de una manera importante, ya que permitió la creación de grabaciones mucho más complejas y elaboradas y la posibilidad de cambiarlas después de la sesión de grabación inicial. En esencia, el remix nació.

En la década de 1960 la grabación multipista estaba ya bien establecida, es entonces cuando se empieza a intuir su potencial creativo más allá de lo que había sido usado por hasta el momento. Un nuevo movimiento musical jamaicano llamado dancehall, que encarna elementos de ska, rocksteady, reggae y dub, fue el lugar en donde la remezcla realmente comenzó a desarrollarse. Algunos de los productores pioneros y legendarios de la época como King Tubby y Lee “Scratch” Perry, comenzaron a crear versiones alternativas de pistas para satisfacer los gustos de las audiencias del momento. Empezaron por crear mezclas instrumentales simples de los discos, pero estas pronto se convirtieron en un formato más complejo que implicaba efectos de eco y repetidos “ganchos” vocales. Más tarde comenzaron a eliminar ciertos instrumentos en momentos específicos y repetir otros elementos de la pista para crear nuevos y prolongados arreglos de las canciones.

Casi al mismo tiempo, una revolución similar estaba ocurriendo en la escena disco estadounidense, donde se fueron creando versiones extendidas de música disco de la época para mantener a la gente en la pista durante más tiempo. Utilizaron una simple edición de cintas y “loops” para repetir ciertas secciones de las canciones. Este fue el comienzo de la moderna remezcla club. El pionero de este género fue Tom Moulton, y lo que hizo pasó casi por error. A finales de 1960, al comienzo de su carrera, se dedicaba a hacer cintas de mezcla para una discoteca, las cintas se hicieron muy populares y llamaron la atención de las discográficas en Nueva York. Pronto empezó a participar en las fases de producción de los discos para asesorar sobre lo que funcionaría bien en las discotecas.

Poco a poco el respeto por su conocimiento acumulado creció y comenzó a ser solicitado para la creación de versiones de temas mezclados específicamente para los clubes. Este hecho marca el comienzo del proceso por el que las discográficas crearían versiones alternativas de canciones específicamente para los mercados de discotecas y clubes. De hecho, muchas de las técnicas básicas que damos por sentado hoy en día son descendientes directas de la obra de Tom Moulton. Una rápida escucha a algunos de sus remixes da prueba de ello. Durante su carrera ha trabajado en más de 4.000 remixes y es considerado por muchos como una de las personas más importantes en la historia de la música de baile.

Sin embargo, el primer single disponible comercialmente en 12″ no fue obra de Tom Moulton. Ese honor le corresponde a Walter Gibbons con su re-edición de “Ten Percent” de Double Exposure, en 1976. Antes de este, los vinnilos de 12″ individuales únicamente estaban a disposición de los disc-jockeys. Con este lanzamiento, Salsoul Records se arriesgó ya que pensaban que el formato tenía potencial comercial.

En última instancia el tiempo les dió la razón y, el 12″ fue un gran éxito comercial. Durante esos años Salsoul Records sería también el hogar de muchas luminarias del remix, incluyendo al legendario Shep Pettibone, cuyo trabajo sentaría las bases de las remezclasde hoy.

De hecho, Shep Pettibone, realizó trabajo de remix para The Pet Shop Boys y Level 42 a mediados de la década de 1980 antes de trabajar con Madonna. Su primer hito fue con “Color Mix” de “True Blue” en 1986 y esto le llevó a remixes de “Causing a Commotion” “, “Like a Prayer” y “Express Yourself”. Pronto el remixer se convirtió en compositor y productor cuando colaboró conMadonna en su single “Vogue” y su álbum “Erotica”. Este fue un paso importante, ya que, antes de esto, los remixers habían sido sólo eso, remixers. La colaboración de Pettibone con Madonna en “Vogue” demostró que el mundo de la remezcla se había desarrollado y había logrado un nivel de sofisticación igual a la de la producción. Por supuesto, las remezclas se perciben como iguales en términos de habilidades y conocimientos técnicos, pero antes de “Vogue” de 1990, aún no era así.

El tercer acontecimiento importante en la remezcla también ocurrió en la época de los remixes de Salsoul Records, y nació de la fusión de las culturas del dancehall jamaicano y la música disco de EE.UU. como consecuencia de la afluencia de inmigrantes de Jamaica a Nueva York. DJ Grandmaster Flash fue una de las primeras personas en utilizar el “cutting” y “scratching”, técnicas para crear collages musicales en tiempo real. Aunque estas técnicas más tarde se incorporarían en la remezcla de una manera más planificada, fue una valiosa adición a la caja de herramientas del remezclador y también se convirtió en una de las señas de identidad de la música hip hop.

Durante la década de 1980 la mayoría de los remixes se basaban en reordenamientos de las partes musicales existentes y, como tal, no cambiaban particularmente el género de las canciones. Sin embargo, con el nacimiento de la música house en la década de 1980 y su crecimiento exponencial, otra forma de remix emergió, y lo hizo aprovechando las mejoras en la tecnología de la música durante ese tiempo. A lo largo de los años 1970 y 1980 artistas como Kraftwerk, Jean Michel Jarre y Vangelis estuvieron explorando los nuevos sintetizadores y secuenciadores, y esto sentó las bases para la música house, que a su vez se convirtió en las numerosas formas de la música de baile que tenemos hoy.

De hecho, muchos consideran algunas que las formas de la música disco hi-NRG son antepasadas directas de la música housedebido a la creciente utilización de cajas de ritmos y líneas de bajo secuenciados.

Tras el crecimiento explosivo de la música de baile durante la década de 1980, los remixes comenzaron a tomar una dirección ligeramente diferente y evolucionar más hacia lo que generalmente asociamos con los remixes hoy. Las remezclas de finales de 1980 y principios de 1990 utilizaban cada vez menos de la instrumentación original, en sus remixes y muchas mas partes musicales de nueva creación. Los rápidos avances en la secuenciación y la música basada en MIDI allanaron el camino, evolucionando la creatividad de los remixers. Quizás uno de los ejemplos más tempranos de la remezcla “moderna” se produjo en 1989 con remix de Steve “Silk” Hurley del “Uh Oh Look Out” de Roberta Flack. La gran novedad de este remix fue que se utilizó sólo la voz de la pista original, creando todas las demás partes musicales. Este método de remezcla es el estándar en estos días, pero, en ese momento, era revolucionario y realmente fue un hito en la evolución de remixes.

Podría decirse que uno de los más famosos discos de baile de todos los tiempos fue “Pump Up the Volume” de MARRS. Poco después de su lanzamiento en 1987 llegó al número 1 en las listas del Reino Unido, también recibió una nominación al Grammy en 1989. Aunque no es técnicamente un remix, la canción utiliza muchas técnicas populares del remix de la época y estaba compuesta casi en su totalidad a base de muestras de otros discos. Esto dio lugar a toda una subcultura “sampling”, que, durante la década de 1990, daría lugar a una ola de pistas que se utilizaron el muestreo con gran efecto.

Conforme la tecnología de secuenciación se alejó de las unidades de hardware, y los, a veces prohibitivamente caros, sintetizadores analógicos y cajas de ritmos empezaron a ser sustituidos por versiones digitales más versátiles y más baratas basados en ordenadores, se hizo posible hacer más por menos dinero. Además, alrededor de este tiempo, sampleadores más asequibles comenzaron a entrar en el mercado. La llegada de esta “triple amenaza” cambió radicalmente el género de la música de baile, y el asalto de la música de baile a las listas comerciales comenzó en serio.

La escena rave en el Reino Unido a principios de la década de 1990 dio lugar a un gran número de pistas que muestreaban otras canciones (o diálogos de películas o programas de televisión) y utilizaban estas muestras, a menudo aceleradas, como base para nuevas canciones. Aunque estas canciones se comercializaron como “originales”, estaba basadas, en cierta medida, en los mismos principios que los remixes que se estaban realizando en ese momento. Como se trataba de los albores de la generación de la música muestreada, muchas de estas canciones (incluyendo “Pump Up the Volume”) fueron publicadas en el mercado sin mucha protección legal. En ese momento, estos asuntos, si no ignorados, por lo menos no se persiguieron con tanta diligencia como lo son hoy. Como resultado de esto, otro nuevo tipo de “remezcla” evolucionó: el mashup.

Aunque un mashup no es una remezcla en el sentido descrito hasta el momento, si que es al menos, una versión alternativa de una canción. Un mashup es una mezcla o edición de dos (o a veces más) otras canciones para crear una nueva. Muy a menudo los mashups contienen poco o nada de música añadida de quien los haya creado. En principio, pueden ser creados con una sencilla configuración de DJ de un par de platos y un mezclador. La tecnología de muestreo y secuenciación obviamente hace que esto sea más fácil a la hora de mezclar, beatmatching, mantener en sincronía, y crear puntos de referencia. El avance de la tecnología facilitamashups más elaborados e inteligentes, y este estilo de remezcla sigue siendo muy popular. Crear un mashup puede ser técnicamente difícil, ya que se trata de mezclar juntas dos canciones completas cuyos elementos musicales no siempre se complementan entre sí. Sobre esa base, un DJ o productor a menudo busca una pista a cappella (puramente voz) y mezcla esta sobre una pista instrumental. Este método reduce muchos de los problemas técnicos asociados con un “set” de mashups, pero no resuelve las preocupaciones sobre el uso legal.

Gracias al crecimiento de la cultura de la remezcla durante los años 90, cada vez más artistas “mainstream” se acercaban a ella. En algunos casos, se limitaba simplemente a aprobar los remixes que se hacían de su trabajo (tanto remixes oficiales y “bootlegs” omashups). Con el tiempo, artistas como Nine Inch Nails y Erasure pusieron a disposición del público las pistas originales de sus trabajos para permitir a sus seguidores crear sus propios remixes. Algunos de estos remixes incluso han terminado siendo lanzados comercialmente por el sello discográfico del artista original. Sin embargo, este es un fenómeno poco frecuente, y sigue existiendo una fuerte reserva, entre los artistas, a la manipulación del propio trabajo por otros.

Otra forma en que los artistas han mostrado su apoyo y abrazado la cultura del remix es a través de la grabación de voces adicionales específicamente para una versión remezclada. Esto se remonta a los comienzos de 1990, cuando Mariah Carey se convirtió en la primer artista “mainstream” que grabó una voz para una versión remezclada de una de sus canciones y, en unos pocos años, casi todas sus canciones habían sido regrabadas para su uso en remixes para el club. Muchos otros artistas han hecho cosas similares en términos de repetición de grabación voces específicamente para una versión remezclada y algunos hasta han escrito y grabado material nuevo para el remix. Este escenario es más frecuente en el rap y la música hip-hop donde remixes con “invitados” y apariciones de otros artistas se han convertido en la norma.

Para terminar este recorrido podríamos decir que desde un punto de vista cultural el arte de la remezcla y el muestreo tal como se practica por parte de DJs y productores es una a forma de trabajar con la información que crea niveles superiores de organización, reune los esfuerzos y el trabajo de los demás en un todo complejo, formado por múltiples capas y multi-referencial que es mucho más que la suma de sus partes.

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